孟京辉用艺术概念玩戏剧跨界

　　如今，双年展的概念被敢为人先的导演孟京辉挪用到了戏剧领域。2016年3月18日，中国首个当代戏剧双年展在深圳揭幕。11部展演剧目，9场展览、讲座、工作坊，连续十天在深圳福田区的五个场馆同期进行，使深圳这个具有活力的年轻都市，成为当代艺术的重要门户。据悉，本次活动将持续到3月27日。

　　展演单元的11部剧目来自中国、立陶宛、法国等地，以四大主题呈现，分别是探讨身心思维与情感的不同温度，聚焦生命，解读人性的“身体昏迷”系列，张扬戏剧与其他门类艺术跨界创作的“跨界1+1”系列，由国内外新锐导演实验作品组成的“戏剧新语境”系列，以及通过对生命与爱的讴歌，暗示人生存在的多种可能的“改变”系列。

　　国外 立陶宛“声音舞蹈”启幕

　　本次双年展的开幕大戏，来自立陶宛的现代舞蹈作品《幻想的玻璃珠》，这是一部结合了现代舞、装置、声音艺术的舞台作品。

　　编舞家Aira介绍，作品的主题之一是“让声音变得可见”。舞者以身体触碰金属条、白色泡沫粒、口琴等物件所发出的声音，与舞蹈的节奏有机融合，这些道具也成为了“声音的雕塑”。除了道具、装置，充满设计感的演出服装也为舞蹈动作带来质感上的变化，一位舞者身着如雕塑般的白色裹身裙，Aira说，“这犹如蛇蜕皮的过程，诉说着一种经历。对我来说，所有人的经历，他们如何去经历自己的生活，这都是美丽的，‘蜕皮’后获得了自由，但我想表达的并不是如何去对抗坏的经历，我们的经历不可能轻易地丢弃，我们要试图在过去的经历与新的生活之间寻找一种和谐。不是丢弃，而是经过它”。

　　对孟京辉导演而言，选择这部立陶宛现代舞作为当代戏剧双年展的开幕大戏也是别有用意：“开幕戏如果语言特别多的话，我觉得观众对于双年展的想象会受到局限。这个作品更加抽象化，有跨界的色彩，它已经不是简单的舞蹈剧场了，还有装置和声音等等，这也是我想要的东西”。

　　国内 三个戏剧展成亮点

　　在国内部分，李凝、邵泽辉、孙晓星、黄俊达、刘畅等优秀的中青年创作者带来了他们近年发表过的优秀作品。李凝的《灵魂辞典》曾在去年的北京青年戏剧节上获得好评如潮；邵泽辉的《在变老之前远去》是长年演出，广受欢迎的代表作；孙晓星带来的《漂流宅》聚焦都市年轻人的“宅”生活；黄俊达的《孤儿2.0》将《赵氏孤儿》改编为充满能量的肢体剧。

　　除了展演单元，双年展的展览部分也很有看头。孟京辉特邀与之合作多年的舞美设计师张武出任策展人，规划三场展览。“戏剧是这样炼成的——中国戏剧影像联展”，对中国当代戏剧的脉络进行梳理，展出四十多位华语导演125部作品的影像；“百年戏剧，百世名人——戏剧大师肖像展”，将100位印有大师肖像的木箱放置在书城的草坪上，大师的肖像也成为了草坪上的公共风景；“从无到有——戏剧舞台装置生成展”则向当代戏剧提出了100道问题，并利用装置艺术进行巧妙的回答。

　　■ 对话艺术总监

　　深圳的多元化和当代艺术易结合

　　新京报：在深圳当代戏剧双年展前，你已经是北京青年戏剧节、乌镇戏剧节、杭州国际戏剧节的艺术总监，这些戏剧节的特点是什么？

　　孟京辉：北京的青戏节，更年轻，也更无序，你可能看到有一个小戏，它真好，再看另外一个，怎么这么烂，但这些都没关系。杭州的，是比较柔软。乌镇则是像梦一样。深圳是一个完全不一样的地方，它是多元化，是宽阔的。做戏剧节你得尊重这个城市人的脉络和呼吸。这样一个多元化的城市，跟当代艺术的当代性结合是很容易的。在戏剧节里，各种能量在一个短时间里释放，是按照每个人自己内心的节奏。戏剧节应该要多一点，要是每天过节多好啊。其实我是一个偷懒的艺术总监，很多工作是当地的团队和我们北京的工作室合作的。我作为艺术总监尽量只是在美学上的把握。

　　新京报：为什么叫“双年展”而不是“戏剧节”？

　　孟京辉：双年展沿用的是艺术的概念。双年展里面我们有艺术总监，同时还有策展人，其实缺一个外围展，应该再沿用美术的东西，有一个学术主持。第一次比较快，很迅猛的弄了起来，两年以后规模会再大再深入，视野再扩展。戏剧不仅只是作为演出，还是作为一个美学观念来和观众进行交流的。深圳跟我的气质实际上更贴合，好好玩能玩出点事儿来。

　　新京报：你的《琥珀》也在双年展上展演，选这部戏意义何在？

　　孟京辉：《琥珀》是我十年前的作品，也是在深圳诞生的，在深圳排完去了香港艺术节，刘烨和袁泉，当时给我们紧张的！深圳福田，我好像跟这儿有缘分。

　　新京报：你的作品也经常到深圳演出，这里的观众和北京、上海观众有何不同？

　　孟京辉：其实没什么不同，只有城市生活节奏是不同的，当他们进入到剧场，就没什么不同。我们一直以为《两只狗的生活意见》到深圳演，有好多梗他们都听不懂。其实没有的事，（反应）一模一样，甚至比北京还厉害，效果还强。

　　新京报记者 陈然 深圳报道